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Archivo de la etiqueta: Cine Europeo

Amour

ImageLa película nos cuenta la vida de Anne y Georges, profesores de música de 80 años, típicos jubilados que viven en la capital francesa. La hija de ambos vive en Londres con su marido británico. Un día, Anne sufre un infarto. Al volver del hospital, un lado de su cuerpo se encuentra completamente paralizado. El amor que ha unido a la octogenaria pareja durante años se verá puesto a prueba ante este obstáculo en el ocaso de la vida de estos ancianos parisinos.

Amour es una cinta que centra su mirada en dos tópicos, la vejez y el amor, el amor puro, ese que es difícil de detallar y el que todos sentiremos alguna vez en la vida, amor sincero y del cual estaríamos por hacer cualquier cosa por él. Aunque suene repetitivo, este es un relato del amor como base de la vida, en todas sus representaciones. El amor como castigo, el lado amargo, el cruel, así como también el lado positivo y optimista. Ese amor, que es el que nos hace levantarnos todas las mañanas y empezar el día.

Michael Haneke crea un ambiente único, en el cual no nos importa saber lo que está pasando fuera del departamento, solo queremos ver estas dos extraordinarias actuaciones de Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, que son capaces de transmitir una gama completa de emociones al espectador.

Un historia brutal y conmovedora sobre el amor en el ocaso de la vida, aquel que une a dos seres a pesar de los problemas normales (y los no tanto) de la edad y de la salud a esa altura de la existencia donde no todo funciona perfectamente.

Dirección impecable y extraordinarias actuaciones de los protagonistas hacen de esta película que ya ganó la Palma de Oro, y que sin duda es favorita para llevar un Oscar, una cinta totalmente recomendable.

 
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Publicado por en febrero 12, 2013 en Cine Europeo

 

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The Angels’ Share (La parte de los ángeles)

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Robbie es un joven que creció en medio de la violencia callejera entre pandillas de Glasgow, donde todo indica que su futuro no es esperanzador en lo absoluto. Un juez decide apostar contra el destino y evita que este adolescente regrese a prisión a cambio de trabajos sociales, donde lo acompañarán un grupo de perdedores y delincuentes inofensivos. También un hombre que por primera vez en su vida le ofrece comprensión y ayuda sin esperar algo de vuelta. Es en este momento donde Rob, que acaba de ser padre y no puede tener una vida normal ni la opción de hacer familia junto a su novia y su hijo, ve una luz de esperanza al final del camino que significa un mejor futuro para él y quienes lo rodean.

En su incansable búsqueda por darle un futuro mejor al que él pudo acceder, el guía a cargo del grupo del trabajo social, lo inicia en el arte de catar whisky. Rob descubre entonces que posee un talento innato como degustador y en poco tiempo es capaz de identificar los destilados más finos y de precios más elevados. Es en este licor donde el protagonista ve una opción para darle un nuevo rumbo a su vida y darle un mejor futuro a su familia.

Interesante película que nace cuando Ken Loach se da cuenta de que a fines de 2011, el número de jóvenes desempleados en Gran Bretaña sobrepasó el millón por primera vez en la historia. Por lo que el argumento es una historia sobre esta generación de jóvenes, muchos que ven un futuro vacío, donde no conseguirán un trabajo permanente, un trabajo que les dé estabilidad.

Se puede criticar la condescendencia con que el director trata a algunos de sus personajes, el afán de suavizar la realidad, de un sentimentalismo barato, pero Loach no engaña sobre la naturaleza de su protagonista, capaz de ser muy bueno y muy malo, y lo mezcla con personajes que ponen una dosis de humor, pese al nada gracioso argumento que inspira la película.

Dato para entender el porqué del título: durante el proceso de elaboración del vino o el whisky, los productores generalmente usan barriles de roble para almacenar sus productos; cuando el alcohol es almacenado, durante largos períodos, un poco del líquido se evaporará. Al alcohol que se evapora le llaman la parte del ángel, aludiendo a la creencia que los “ángeles de guarda “cuidan del licor mientras éste envejece.

 
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Publicado por en enero 29, 2013 en Cine Europeo

 

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Süskind (Suskind)

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Película basada en la vida de Walter Süskind, un judío alemán que a través de su trabajo en Holanda, salvó a cerca de mil niños y a decenas de adultos de una muerte segura en los campos de concentración nazis.

El film cuenta desde la infancia del protagonista, junto con su familia en la Alemania de principios del siglo XX hasta su llegada a Ámsterdam en 1938 y su intención de tomar un barco hacia otro continente para escapar del terror sembrado por el régimen de Hitler. En la capital holandesa, Süskind consigue un empleo que le permitirá juntar el dinero necesario para su viaje, pero que nunca llevo a cabo.

En 1940 la invasión alemana marca el destino de Süskind y de miles de judíos. Dos años después, se ve obligado a dejar su trabajo y buscar otro en alguno de los consejos judíos creados por los nazis para que ellos tramitaran la deportación voluntaria de los suyos.

Consiguió el puesto de director del Teatro Judío de Ámsterdam, donde se pretende que los nazis concentren a los judíos de la ciudad para trasladarlos a los campos de exterminio.

Walter Süskind gracias a sus valores y pensando en su familia, busca apoyo en la resistencia holandesa y a través de su empleo en el Teatro, intenta salvar a la mayor cantidad de niños posible.

A 70 años de este terrible momento, el director holandés Rudolf Van den Berg, busca darle un especie de homenaje a este hombre, conocido como el “Schindler holandés”, que tuvo en sus manos el destino de tantas personas y que decidió arriesgar su propia vida y la de su familia, para evitar que la cantidad de víctimas fatales del régimen nazi, fuera mayor.

 
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Publicado por en enero 2, 2013 en Cine Europeo

 

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Scusa ma ti voglio sposare (Perdona pero quiero casarme contigo, Excuse me, I want to marry you)

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Scusa ma ti voglio sposare, película dirigida por Federico Moccia (basado también en la novela romántica que el mismo escribió) y que es la secuela de Scusa Ma Ti Chiamo Amore. Por lo tanto si no ha visto la película anterior, no siga leyendo.

La historia continúa… Alex y Niki están más enamorados que nunca, acaban de volver del faro en la isla de Blu donde han vivido espectaculares días en una especie de luna de miel. Niki se encuentra con su grupo de amigas, pero el grupo deberá afrontar algunos cambios que pondrán a prueba esa amistad que juraron a muerte. Alex vuelve a la rutina, con sus viejos amigos. Ellos han pasado de ser maridos seguros y vivir en un hogar tranquilo junto a sus hijos y parejas,  a tener que afrontar las dificultades que han puesto en peligro sus matrimonios.

Si bien no posee el encanto de la predecesora, esta segunda parte es para l@s más romántic@s que sueñan con ver triunfar el amor en esta pareja. La diferencia de edad no se puede negar, pero es justamente ese factor el que otorga la oportunidad de volver a descubrir su amor y complicidad, todos y cada uno de los días, sin dejar de lado su propia personalidad y caracter. Que se traduce en el incontenible deseo de Alex en convertir esta relación en algo oficial, un juramento con decenas de testigos, que habrá que renovar todos los días por el resto de sus vidas.

Juramento que ponen en duda gracias a las crisis matrimoniales que se encuentran viviendo los amigos de Alex, conflictos que hacen a la pareja cuestionarse si el amor puede durar para siempre.

 
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Publicado por en noviembre 20, 2012 en Cine Europeo

 

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Scusa Ma Ti Chiamo Amore (Sorry If I Love You, Perdona si te llamo amor)

Alessandro es un exitoso publicista de 37 años al que su novia de toda la vida acaba de dejar. Niki es una joven madura y responsable que cursa su último año de secundaria. Un día, Alessandro conoce a Niki de forma accidental y desde ese momento todo cambiará para los dos. La chica irrumpe en la vida del hombre y desencaja su estructurada vida, mientras él se deja llevar y acepta todo lo que dice la bella italiana de casi 20 años.

En principio pensé que era la típica comedia romántica, pero no pude estar más equivocado. Alessandro estaba estancado, sumido en la pena por el abandono de la mujer que él pensó, estaría a su lado toda la vida. Su vida era el trabajo y un grupo de amigos, con problemas en sus matrimonios y en sus relaciones. De forma inesperada, como suceden las mejores cosas de la vida, conoce a Niki, quien le mostrará un mundo que él no había querido ver o que había abandonado por estar acongojado y lamentándose en casa.

Una historia maravillosa, con una trama que no decae con toques de humor que hacen aun más amena una película romántica para todos y todas, hecha para ver en pareja. Dedicada especialmente para esas personas soñadoras o que piensan que todo está perdido por haber terminado mal una relación. En definitiva, una cinta que te ayuda a creer en el amor. Scusa Ma Ti Chiamo Amore la recomiendo a ojos cerrados.

Trailer subtitulado:

 
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Publicado por en octubre 20, 2011 en Cine Europeo

 

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Once (Una vez)

Es una cinta irlandesa que cuenta la historia de una inmigrante checa en Irlanda y un músico que toca en las calles de Dublín para los transeúntes, la música los unirá y esta acompañará de excelente forma toda la película.

Glen Hansard es un cantante y compositor que interpreta sus canciones por las calles de Dublín, cuando no está reparando aspiradoras en la tienda de su padre. Durante el día, para ganar dinero extra, sale con su guitarra a tocar conocidas canciones para los turistas y gente de la ciudad, pero en las noches, interpreta sus propias creaciones en los que habla de cómo lo abandonó su novia.

Su talento llama la atención de Marketa Irglova, una inmigrante checa que vende flores en la calle para sacar adelante a su hija y a su madre. Ella al igual que Glen, se está recuperando de un fracaso amoroso y, para subir su ánimo, escribe canciones sobre el tema, pero a diferencia de Glen, nunca las interpreta en público.

Glen y Marketa, fortuitamente terminan haciendo un dúo en una tienda de música y será en ese momento cuando descubran que algo los une. Al no haberse recuperado de sus respectivas rupturas, dudan sobre si luchar por iniciar una relación entre ellos. Mientras toman una decisión que podría cambiar sus vidas, ambos se concentran en escribir nuevos temas y grabar algo, para intentar abrirse camino profesionalmente en el mundo de la música.

La producción es de bajo presupuesto, pero aún así no se hace desagradable a la vista, las locaciones escogidas nos dan un tour por Dublín, desde los barrios, calles principales hasta un paseo a un lago, nos da una visión de la vida algunos inmigrantes que llegan en busca de una mejor vida a Dublín.

Las actuaciones de los protagonistas son notables, a pesar de no ser actores, él es cantante del grupo The Frames y ella es compositora y cantante también, como dato extra, ellos son pareja en la vida real y cantan juntos, lo que se nota en pantalla a través de un sentimiento que va más allá de una buena actuación. Todo esto acompañada de una banda sonora EXCELENTE, cantada por los protagonistas, la letra acompaña cada una de las escenas de la cinta, lo que crea un ambiente perfecto.

La película es recomendable 120%, es un musical que escapa de una producción hollywoodense de este género. Cada canción te llega a lo más profundo de tus sentimientos, la historia está bien trabajada, como ya decía, actuaciones notables tanto los protagonistas como los secundarios, buen trabajo en la dirección al cuidar hasta el último detalle para que esta cinta de bajo presupuesto, estuviera al nivel de cualquier gran estudio con un guión sólido y lo que ya mencioné antes.

No está de más mencionar que la canción Falling Slowly ganó el Oscar a mejor composición el año 2008.

 
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Publicado por en mayo 12, 2011 en Cine Europeo

 

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Underground

Cuenta la historia de dos amigos y sus desventuras durante la segunda guerra mundial y la trágica guerra de los Balcanes. Ambos conectados por una mujer, Natalija, nos mostrarán la ambición, el egoísmo, las huellas que deja la guerra en la sociedad y obviamente la visión de Kusturica acerca de las guerras y su postura cargada al comunismo, que esta vez intenta dejar un poco de lado para darle objetividad al relato.

Blacky es un hombre casado, pero tiene un romance con Natalija, una actriz frívola, egoísta y promiscua. Su amigo Marko, que también está enamorado de Natalija, aprovecha la Segunda Guerra Mundial para mantener a Blacky, entre muchos otros, escondido en un sótano haciéndole creer que la guerra continúa. Al mismo tiempo, con el fin de enriquecerse, Marko crea en el sótano una fábrica de armas con las que trafica. Esta farsa se mantiene durante veinte años hasta que, accidentalmente, el techo del sótano es destruido y Blacky sale al exterior para encontrarse con la guerra de los Balcanes.

Para entender mejor la cinta, hay que tener un poco de conocimiento acerca del conflicto que se vivió desde la segunda guerra mundial por la separación de la Ex Yugoslavia, en donde se empezó a discriminar a los serbios principalmente, además de gitanos y musulmanes, estos últimos también tenían gran representación en Bosnia por lo que se produjo una especie de alianza entre los serbios y musulmanes-bosnios en contra de todo el bloque yugoslavo dentro de los cuales contamos a los croatas, eslovenos, etc. Este episodio marcó su peak en la guerra de los Balcanes que empezó en 1991.

El orden cronológico del film parte con los ataques nazis y el momento en donde Marko “esconde” a un grupo de personas entre los cuales están Blacky, su hermano tartamudo y varios serbios más ya que al ser comunistas serían perseguidos por los alemanes. En el sótano donde los esconde, inicia un proceso de fabricación de armas que Marko venderá a los anarquistas, comunistas, etc. Luego viene el episodio de la Guerra Fría, en este momento Marko es reconocido por su gran aporte al comunismo mientras mantiene a su “amigo” engañado en el sótano, fabricando armas y haciéndole creer que los ataques nazis continúan. Finalmente la Guerra de los Balcanes con Blacky fuera del sótano, Natalija junto a Marko y la independencia de los estados yugoslavos.

Los pecados capitales en pleno representados por los protagonistas. Una muestra de que la guerra no conduce a nada más que a la violencia entre pares, la discriminación por ser de una religión, de un cierto territorio, de un color político o por un simple idealismo basado en nada. Kusturica intenta ilustrar el sentido de autodestrucción de los seres humanos, que se matan unos a otros muchas veces sin saber porqué.

50 años en una película de casi 3 horas, me recordó al Arca Rusa, notable trabajo de Emir al caricaturizar a los comunistas y nazis llevándolos al exceso para que sean más fáciles de identificar, mostrando su visión de los hechos con un trasfondo potente en una cinta tragicómica con diversos personajes estereotipados para una visión desde todos los puntos de vista.

Podría ser una película “panfletista” pero así como muestra lo positivo de un lado, también muestra lo negativo, por lo tanto es casi una visión anarquista lo que hace más objetivo el guión. Es una visión del mundo, de los líderes políticos que manejan las naciones a su gusto por buscar un beneficio personal más allá de su propia patria.

Me gustó bastante, aunque a veces la película se extiende mucho pero claro son 50 años, diversas situaciones y 3 guerras de gran magnitud. Recomendable para cualquier persona que quiera conocer más acerca de la cultura serbia, gitana, ex yugoslava y algunos hechos históricos.

No recomendable para aquellos que no sean capaces de ver una película de 3 horas y menos para aquellos que no disfrutan del cine con tintes históricos.

 
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Publicado por en mayo 12, 2011 en Cine Europeo

 

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Die Welle (The Wave/La Ola)

Durante la semana de proyectos, al profesor de escuela Rainer Wenger se le ocurre la idea de un experimento que explique a sus alumnos cuál es el funcionamiento de los gobiernos totalitarios. Comienza así un experimento que acabará con resultados inesperados.

A Rainer, el profesor guía, le podía haber tocado el grupo de la Anarquía (que era el que quería debido a que en su juventud había formado parte de la anarquía y queda la duda si lo seguía haciendo) pero no fue así, le designaron el grupo de la Autocracia que desde un comienzo fue complicado. Todos los alumnos están más que hartos de discutir el fascismo, un tema constante en las escuelas alemanas que solamente consigue enojar a la clase. Entonces alguien comenta algo que despierta una reflexión en Rainer. “¿Así que no creen que otra dictadura sea posible en Alemania?” En ese mismo momento, decide llevar a cabo un experimento con la clase. En primer lugar, necesitan a un líder, una figura de autoridad. Ordena a los alumnos que le llamen “Mr. Wieland” desde ese mismo momento, y siempre dirigirse a él en pie. De un momento a otro la clase se infunde de disciplina y concentración. Rainer les apremia a la “fuerza a través de la disciplina.

Poniendo en contexto debo decir que todos los años en los colegios alemanes hacen una semana de talleres en donde los alumnos salen de las clases normales y van a ver temas en profundidad pero no con el régimen estricto de clases sino que tal como el nombre lo dice, una especie de taller.

La temática en un principio puede parecer predecible, algo parecida a “Das Experiment” y es cierto que tiene ciertos toques similares pero también la historia tiene un peso propio muy interesante. Los tópicos sociales que se introducen en la trama como la vida en pareja cuando uno es “superior” académicamente al otro, las diferencias sociales, problemas de comunicación padre-hijo, y muchas otras que son primordialmente vistos en la relación entre el profesor y su esposa y también entre Marco (miembro de La Ola) y Karo (su pareja que sabe que algo anda mal con este movimiento) y los alumnos que con todos sus problemas hacen que La Ola sea su vida, su familia, su forma de pensar y actuar.

El film está basado en el suceso real que tuvo lugar en 1967, cuando, tras cinco días de experimentos, el profesor de Historia Ron Jones tuvo que interrumpir el proyecto ‘La tercera ola’, con el que pretendía demostrar a sus alumnos de la escuela Cubberley de Palo Alto (California, Estados Unidos) la dimensión real de la autocracia, por el inesperado y terrible éxito de las prácticas.

Sin duda la recomendaría a ojos cerrados, las actuaciones son buenas pero solo la historia hace de esta cinta algo que se DEBE ver como un reflejo del mundo actual y los efectos que cualquier “líder” puede causar sobre otra gente.

 
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Publicado por en abril 22, 2011 en Cine Europeo

 

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Four Minutes (Vier Minuten)

Traude Krüger, es una pianista de avanzada edad, que da clases de música en una cárcel alemana, y es ahí donde descubre el talento de una joven y conflictiva presa, Jenny, de 21 años, y decide presentarla a un concurso musical para jóvenes intérpretes. Las dos mujeres, absolutamente opuestas en apariencia, en gustos y en comportamiento, se verán obligadas a trabajar en equipo y a aprender a conocerse y respetarse en un ambiente que para ambas es muy difícil.

Dos polos completamente opuestos, generaciones distintas y cada una con una personalidad bastante marcada, mientras una es estricta y más bien conservadora, la otra busca la libertad al máximo sin importar pasar a llevar su entorno, ella es la acusada por asesinato, pero fuera de eso las dos tienen un carácter fuerte pero que logran complementar para lograr ganar el concurso.

Kruger, la profesora, busca sacar a Jenny de una notoria desmotivación en la vida, sin metas claras o con muchas metas que quedaron en el aire por la condena que enfrenta, y la intenta enrielar por “el buen camino” o simplemente darle un nuevo sentido a su vida, algo por que luchar, alguna aspiración tras las rejas, que vuelva a sentirse ella misma.

Vale destacar los flashbacks que se hacen a la vida de la anciana y que nos llevan a la Alemania nazi, y que no son relleno como se podría pensar en un principio.

Es un drama traído de Alemania, fue filmada en un cárcel que dejó de funcionar hace algunos años para darle el toque de realismo necesario que conjuga con la iluminación lúgubre para dejar un escenario perfecto para el film.

Actuaciones notables de las dos protagonistas y en general de todo el elenco y todo esto acompañado por música que sabe mantener el ritmo de la película y que es ideal para el momento de la trama, se nota que hubo una preocupación total por los detalles.

Como dato extra, pero que nunca está de más, la joven protagonista, Hannah Herzsprung (Jenny), practicó piano 6 meses para darle más realismo a su personaje.

La recomiendo en especial para aquellos que disfrutan de la música, las buenas actuaciones y del cine alemán que cada día sorprende más y más.

 
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Publicado por en abril 22, 2011 en Cine Europeo

 

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La escafandra y la mariposa (Le Scaphandre et le Papillon)

Jean-Do era editor de la revista Elle cuando de un minuto a otro sufre un infarto y queda paralitico. Mentalmente no está afectado, pero físicamente solo puede mover un párpado lo que será su única forma de comunicación con el mundo.

Los primeros minutos son angustiantes, solo vemos médicos, enfermeras, luces que perturban lo que da la sensación de estar encerrados en una escafandra, Jean-Do habla pero nadie lo puede escuchar. Cuando se pasa el impacto inicial, salimos de la escafandra para poder volar hacia los recuerdos y la imaginación, que hacen de esta película, una historia digna de ver.

Situaciones humanas muy comunes como la separación y la relación padre-hijo, nos acercan a esta historia, hacen que el espectador sea parte de los recuerdos, que llevan a la emoción en especial cuando Jean recuerda las escenas con su padre y por supuesto el hermoso día del padre que le brindan sus dos hijos y ex esposa quien demuestra en cada escena que lo sigue amando a pesar de la separación.

El hecho de ser una historia real, un testimonio de vida le agrega valor a esta cinta. La historia de aquel hombre que pudo contarle al mundo su historia, sus sentimientos, sus recuerdos y sus sueños a través de un parpado, que pudo convertirse en mariposa y volar a través de sus recuerdos y demostrarle al mundo que a pesar de que su cuerpo estaba anclado a una silla de ruedas, o adentro de una escafandra, él se pudo sobreponer con ánimo y muchas ganas de vivir.

Mathieu Almaric (Jean-Do) se logra adentrar en el personaje de una forma notable y eso se nota, difícilmente podrían haber escogido a un actor tan bueno como él, Max von Sydow (padre de Jean-Do) también muestra una categoría superior, las escenas entre estos dos sin lugar a dudas conmoverán a toda persona que vea la película, sus diálogos, sus gestos, el cariño que demuestran el uno por el otro hacen que la película sobresalga. Pero la película no estaría completa con una buena banda sonora, escogida con pinzas, acompaña perfectamente cada momento de la película. Mención aparte es el trabajo en la dirección y el uso de la cámara, Julian Schnabel (Antes del amanecer), trabaja cada detalle, cada gesto, cada movimiento está tan bien planificado que dejan al director como un perfeccionista, un amante de su trabajo, un gran director.

Como ya mencionaba en un principio, los primeros diez minutos son angustiantes, hasta cierto punto desagradables, unos juegos de cámara horribles, luces confusas y un monologo que solo puede escuchar el protagonista son parte de estos primeros momentos, pero luego viene la liberación en donde comienza lo bueno de la película.

La escafandra y la mariposa cuenta un ejemplo digno de admiración, la historia de un hombre que superó toda limitación dejándose llevar por su imaginación. La relación de Jean-Do con sus hijos y su padre nos llevan a reflexionar del modo de vida que llevamos actualmente, preocupándonos por temas superficiales y sin importancia y dejando de lado lo que más queremos, lo más importante de nuestras vidas que es la familia.

En lo personal me agradó bastante, muy buenas actuaciones y mención aparte para la belleza de las doctoras de Jean-Do.

 
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Publicado por en abril 22, 2011 en Cine Europeo

 

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